biografías

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Arnold Schwarzenegger

Arnold Schwarzenegger

Arnold Alois Schwarzenegger es hijo de Aurelia Schwarzenegger, fallecida en 1998, y del oficial de policía Gustav Schwarzenegger, muerto en 1972. Tiene un hermano llamado Meinhard, campeón de boxeo.

Desde joven y residiendo en un pequeño pueblo austriaco, Arnold se aficionó a practicar el body building, actividad que le llevó a conseguir el título de Mister Universo y Mister Olympia en diversas ocasiones.

Gracias a su actividad deportiva viajó a los Estados Unidos para brindar demostraciones de culturismo , estableciendose en el país americano en los años 70 y haciéndose conocer con el apelativo de “El roble austriaco”.

En el año 1972 se estrenó como intérprete televisivo al emerger en un episodio de la conocida serie “Las Calles De San Francisco”. Sus exhibiciones físicas no le impedieron proseguir con sus estudios, graduándose por la Universidad de Wisconsin en marketing y administración de empresas.
Su comienzo en el planeta del cine vino determinado por su fornida presencia, clave para que los productores apreciaran en su persona una figura idónea para encarnar a grandes titanes y figuras mitológicas, como Hércules en “Hércules En Nueva York” (1970), su cinta estreno en la queaparecía acreditado como Arnold Strong. En este film fue doblado en su versión original, pues por aquella época poseía aún un fuerte acento austríaco.

En 1976 fue galardonado con un Globo de Oro como mejor intérprete debutante por “Stay Hungry” (1976), una cinta dirigida por Bob Rafelson en la que Arnold adoptó por primera vez en créditos su verdadero apellido.

A comienzos de los años 80 y gracias a taquilleros títulos como “Conan El bárbaro” (1982) de John Milius o “Terminator” (1984) de James Cameron, Schwarzenegger consiguió convertirse en una de las estrellas más importantes que ha conocido el cine de acción en toda su historia.

En 1983 se nacionalizó estadounidense.

Aunque Arnold es de ideología republicana, se casó en 1986 con Maria Shriver, perteneciente a la familia Kennedy, conocido clan demócrata que llevó a John Fitzgerald a la presidencia americano en los años 60.
Antes mantuvo una breve relación sentimental con Brigitte Nielsen, con quien coincidió en la cinta “El Guerrero Rojo” (1985).

Además de su faceta como intérprete, Arnold poseía una productora llamada Oak Productions, y desarrolló sus pinitos como director con el telefilm “Christmas In Connecticut” (1992) y con un episodio de la serie televisiva “Tales From The Crypt”.

En 1994, por su actuación en la comedia “Junior” (1994), Arnold fue nominado al Globo de Oro.

Al margen del cine, Schwarzenegger surgió en videoclips musicales de AC/DC, Bon Jovi y Guns ‘n’ Roses.

En el año 2003 logró ser elegido, como candidato del Partido Republicano, gobernador del estado de California.
Poco más tarde sentenció dejar el planeta del cine.

En el año 2010 desarrolló un cameo en la cinta de Sylvester Stallone “Los Mercenarios (The Expendables)”.

En el año 2011 se separó de su mujer.
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Arnold Schwarzenegger actores

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Antonio Banderas

Antonio Banderas

Actor español de fama internacional. Atractivo malagueño, representación del Latín Lover para algunos sectores de la industria de Hollywood.

Se traslada a Madrid para probar suerte en el planeta de la interpretación y debutá en los circuitos teatrales underground de la capital.

Su primera cinta fue “Laberinto de pasiones” de Pedro Almodóvar.

Con “Mujeres al borde de un ataque de nervios” de 1985 alcanzá su éxito internacional y en 1990 interviene en el que será su definitiva cooperación (hasta el momento) con su descubridor, Pedro Almodóvar.

Su trabajo en “Átame” fue considerado como el mejor de su carrera. Su salto a Holliwood se producen en 1992 con la cinta “Los reyes del mambo tocan canciones de amor”. El éxito de la cinta y su atractivo físico le dieron la oportunidad de laborar en “Philadelphia” junto con Tom Hanks. Los proyectos empezaron a lloverle y su carrera americana se afianzó rápidamente.

En 1995 fija su residencia en Estados Unidos. Estuvo desposado con la artista Ana Leza y más tarde contrajo matrimonio con la también artista Melanie Griffith.

Su estreno como director ha sido con “Crazy in Alabama” (1999) cinta que tiene como protagonista a su esposa Melanie Griffith y en la que su hija Estela del Carmen debuta con un pequeño papel. El estreno de la cinta en España fue en su ciudad natal Málaga que fue todo un acontecimiento para la ciudad.

Ha trabajado bajo las órdenes de directores con cierto prestigio en la industria cinematográfica como Robert Rodríguez y junto a actores de la talla de Jeremy Irons, Glenn Close, Tom Cruise, Brad Pitt y un largo etc.
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Alec Baldwin

Alec Baldwin

Es el segundo de los seis hermanos Baldwin aunque él fue el primero que se dedicó a la interpretación. Tiene dos hermanas y tres hermanos: Daniel, William y Stephen, también consagrados actores. Estudió durante tres años Ciencias Políticas en la Universidad George Washington y también cursó algunos años de la carrera de Derecho. Sin embargo sentenció volver al sueño de su juventud, se traslada a Manhattan, y se matricula en el departamento de Arte Dramático de la Universidad de Nueva York, estudiando y graduándose en el Lee Strasberg Institute. Además aprendió interpretación con Mira Rostrova, Elaine Aiken y Milton Kastelas entre otros.

Mientras empezaba a laborar en el Moscow Art Theatre’s Mira Rostrova, Baldwin logró un papel en la teleserie “The Doctors” y en la miniserie “Uniforme gris”.

Durante varios años no salió de los culebrones de tv en los que su verdaderas dotes de intérprete no eran apenas explotadas. Tras esta época vuelve a Nueva York y trabaja en el teatro; su estreno en Broadway se dio con la obra “Loot” de Joe Orton’s y con ella adquiere el galardón Wold Theatre Award como mejor estreno teatral en la primavera de 1986. Ese mismo año se produjo también su estreno cinematográfico con la cinta “Forever Lulu”, de Amos Kolleck.

A partir de así pues ha trabajado en papeles secundarios de películas dirigidas por directores tan populares como Tim Burton, Oliver Stone o Jonathan Demme. En 1991 obtuvo un Obbie como mejor intérprete por su interpretación en la obra teatral “Prelude to a Kiss”. Al año próximo surgió en una versión de “Un tranvía llamado anhelo” de Tenesse Williams por el que obtuvo una nominación al Tony como mejor intérprete. En 1993 volvió a matricularse en la Universidad de Nueva York para finalizar la carrera de Arte Dramático.

Contrajo matrimonio con la común artista Kim Basinger con la que tiene una hija llamada Ireland Eliesse el 23 de octubre de 1995 en Los Angeles. Este matrimonio favoreció la carrera de esta intérprete de manera notable.
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Terrence Malick

Terrence Malick

Director, guionista y productor americano, Terrence Malick nació en Ottawa, estado de Illinois, sin embargo creció en Oklahoma y Texas. Acudió al colegio en Waco y en Austin ingresó en el instituto, pasando algunos veranos trabajando en una granja.
Tras terminar su educación secundaria Marrick estudió filosofía en Harvard y preparó una proposición sobre Heidegger en el Magdalene College de Oxford, que por último no terminaría.
Antes de dedicarse a la industria cinematográfica había ejercido como traductor, periodista, arribando a redactar como freelance para la revista “Life”, y profesor de filosofía en la MIT (Instituto de Tecnología de Massachusetts).

En 1969 y en Los Angeles se instruyó en cinematografía en el American Film Institute, dirigiendo y escribiendo por esa época sus primeros cortometrajes, como “Lanton Mills” (1969), una cinta protagonizada por Harry Dean Staton y Warren Oates, intérprete que también intervino en su largometraje estreno, “Malas tierras” (1973), drama criminal ambientado en los años 50 que estaba co-protagonizado por Martin Sheen y Sissy Spacek.
Con precedencia había ayudado en la escritura del guión de la cinta dirigida por Jack Nicholson “Drive, he said” (1971), redactando más tarde el guión del western de humor “Los indeseables” (1972), cinta dirigida por Stuart Rosenberg y protagonizada por Paul Newman y Lee Marvin, y la comedia de Vernon Zimmerman “Deadhead miles” (1972).
“Malas tierras”, desapercibido para el gran público, recibiría varios galardones críticos. Dos años más tarde de rodar este título, Malick se divorcia de Jill Jakes, con quien se había desposado poco más tarde de aparecer a Los Angeles.

En 1974, con el seudónimo de David Whitney, escribió el guión de “The Gravy Train”, cinta de Jack Starrett protagonizada por Stacy Keach.
“Malas Tierras”, y el próximo título, “Días del cielo” (1978), lo erigirían como uno de los autores más interesantes de su generación, singularizado por su belleza visual, su lirismo trágico y la consecución atmosférica de sus películas.

El fotógrafo español Néstor Alméndros lograría un galardón Oscar por su espléndido trabajo en “Días del cielo”, título protagonizado por Richard Gere y Brooke Adams.
A pesar de que Malick deseaba como protagonistas a John Travolta y Genevieve Bujold y fue un revés en taquilla, la cinta fue recibida con entusiasmo por la crítica internacional, consiguiendo el galardón al mejor director en el Festival de Cannes.

Malick, opuesto a cualquier tipo de publicidad de su persona y evadiendo la fama, pasaría un largo tiempo viajando por diversas partes del planeta, como el Nepal, Grecia o los Alpes, residiendo la mayor parte de su tiempo en París.
En Francia conocería a una mujer llamada Michelle, con quien se casaría en 1985. La pareja se divorciaría en 1997. Un año más tarde contrajo matrimonio con Alexandra Wallace.

Malick no volvería a la dirección hasta veinte años más tarde, en el momento que rodó el film antibélico “La delgada línea roja” (1999), adaptando un libro de James Jones con ese aura elegíaca, poética y atmosférica que le significa, en esta ocasión trasladada a la Segunda Guerra Mundial.
Desde el año 1989 había comenzado a laborar en el guión de esta película.
Otros proyectos que manejó antes de su vuelta fue una versión del “Tartufo” de Moliere y un título bélico llamado “Q”.

Posterirormente ha producido varias películas, como “Atrapados en el hielo” (1998), o “Happy times” (2002), film dirigido por Zhang Yimou. Además ha escrito el guión de “Che” (2005), título biográfico que dirigirá Steven Soderbergh, y dirigió “El nuevo mundo” (2005), cinta histórica basada en la figura de Pocahontas y John Smith.
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Rocco Siffredi

Rocco Siffredi

Rocco Siffredi (4 de mayo de 1964) es el nombre artístico de Rocco Tano, un intérprete, director y productor de películas pornográficas de nacionalidad italiana. Es conocido en la industria del porno como El Semental Italiano, por las medidas de su pene y por su gran resistencia en el acto sexual.

Los filmes de Siffredi varían ampliamente en cuanto al contenido y tono. Ha aparecido en aventuras románticas y comedias del estilo de la productora Vivid, sin embargo su trabajo posterior con la compañía de John Stagliano, Evil Angel Video, involucran escenas de BDSM en las cuales Siffredi escúpe a mujeres en la cara y dentro de la boca, las abofetea, practica irrumatio y urolagnia, hace que sus co-estrellas se ahogen durante la garganta insondable (acto sexual), y ocasionalmente les agarra del cabello hasta el punto de sacarles lágrimas.

Tras comenzar su carrera en Francia, trabajó en Budapest (que es la sede de Rocco Siffredi Produzioni) y también en Montreal, Rusia, Brasil y varios países de Europa del Este. Está considerado un intérprete de culto por su vigorosidad, su calidad de actuación y como algunos agregan: el tamaño de su inmenso pene. Ha participado en 1.300 películas.

Durante un tiempo, el tamaño de su pene fue cuestionada, en torno a lo que se denunciaba como un “fake” o “truco” durante las filmaciones. Se pensaba que mediante avanzados y modernos trucos de publicación, utilizaban los medios indispensables para agrandar la apariencia del tamaño de Rocco. Fue así, que para finalizar con la especulación, Rocco sentenció exhibir su pene en la convención anual de pornografía en Oslo, Noruega y ante más de 38.000 personas, Rocco reveló la veracidad de su apodo.

Su definitiva cinta, Anatomie de l’enfer (Anatomía del infierno, 2004), con actores de gran trayectoria como Catherine Breillat y Dammiani Mantuano, es una cinta de sexo muy fuerte, con mucha sangre y excrementos naturales. Es una metáfora de una sexualidad deprimente sin embargo también de una sexualidad real, de la pareja de hoy, de la incomunicabilidad. En una escena, la chica le exige a Rocco que beba de un tampón con sangre directamente de su útero. Esto tiene una explicación mitológica, aunque real en el sentido de que así ella explica que en el momento que la mujer tiene la menstruación, al hombre no le gusta. O bien, en el momento que él desea tener coito anal sin embargo ve que está algo sucia de excremento natural, el hombre odia a la mujer.

Rocco Siffredi está desposado con la artista Rosa Caracciolo (nacida Rozsa Tassi) y tiene dos hijos, Lorenzo (nacido 1996) y Leonardo (nacido 1999), razón por la que se explica, se retiró como intérprete porno en el año 2007, aunque sigue asociado a la industria como productor y director.
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Robert C Cooper

Robert C Cooper

Robert C. Copper es un escritor y productor canadiense. Antes fue un productor ejecutivo de Stargate SG-1 hasta la terminación de la serie, y actualmente sostiene el mismo cargo en el spin-off Stargate Atlantis. Además cocreó Atlantis.

Cooper ha escrito muchos episodios de Stargate SG-1 y Atlantis, muchos de los cuales, curiosamente, terminaron en las listas de episodios favoritos.

Cooper fue el culpable de fabricar mucho del universo de Stargate. Cooper creó a los Antiguos, la raza que construyó los Stargates. Él también realizó la idea de la Alianza de las Cuatro Razas, dos de las razas fueron inventadas por otros escritores (los Nox y los Asgard fueron creados por Hart Hanson y Katharyn Powers, respectivamente). De pacto con Stargate SG-1: The Essential Scripts, las ideas de Cooper sobre la historia del universo Stargate son propias; él no trabajó en base a ideas de una biblia de la serie.

Cooper se transformó en un coproductor ejecutivo en la 4ª temporada, y un completo productor ejecutivo en la temporada 5. Hizo un cameo en el episodio de la quinta temporada Wormhole X-Treme!, en el cual fue un escritor del staff que comenta que vuelvan a trabajar.

En el episodio premiere de la 10ª temporada la hija de Cooper, Emma, encarnó a Adria de 4 años. Más adelante, en la misma temporada de Stargate SG-1, en algunas escenas del episodio Talion, su hija mayor, Megan Elizabeth Cooper, jugó el papel de una niña, Jaffa.
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Peter North

Peter North

Tras criarse en Canadá, en 1982, se muda a Los Ángeles buscando algún medio que le permita ganar dinero rápidamente para solventar sus problemas baratos. Esto le lleva a probar suerte en la Industria del porno. A pesar de ser uno de los actores heterosexuales más populares, empezó rodando películas gay como Cousins (1983) o Bigger the better (1983) bajo el pseudónimo de Matt Ramsey.2 En Newcommers (1983) rueda con Lara Cott su primera escena con una pareja femenina. Rápidamente el intérprete comienza a señalar gracias a su físico atlético, su pene de 21,5 cm en erección3 4 y su enorme aptitud eyaculatoria. Esta, le valdría apodos como The milkman o The bucket.

En 1986 se ve implicado en la investigación judicial que se derivo del descubrimiento de que la artista Traci Lords había rodado numerosas escenas, algunas con el propio Peter North, siendo aun menor de edad.

Aunque debuta como director a finales de los años 80, ha desarrollado mas esa faceta a partir del 2000, especialmente desde la creación en 2003, de su propia productora llamada: North Star. Esta le sirve para producir sagas como North Pole (que cuenta con más de 70 entregas) o Anal Addicts.
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William A. Wellman

William A. Wellman

El padre de Wellman era natural de Nueva Inglaterra, con ascendencia inglesa-galesa-escocesa e irlandesa. Su madre, muy querida por el gran director, fue una inmigrante irlandesa llamada Cecilia McCarthy. Era tataranieto de Francis Lewis de New York, uno de los firmantes de La Declaración de Independencia.
Antes de su carrera en el cine, Wellman sirvió en la Primera Guerra Mundial en la Legión Extranjera de Francia como conductor de ambulancias. Más tarde serviría como aviador en la famosa Escuadrilla Lafayette, dónde llegó a ser un as. La afición por el vuelo le acompañaría toda su vida y será el tema de muchas de sus películas.
Comenzó como ayudante de dirección y en 1923 dirigió su primer filme, The Man Who Won. En 1928 obtuvo un óscar con Wings (Alas), una película sobre el mundo de los aviadores de espectáculo que abrió definitivamente su carrera. Con la llegada del cine sonoro hizo un filme de acción y violencia que definía su estilo directo y sincero: The Public Enemy (El enemigo público, 1931), con James Cagney como protagonista. Hizo luego otras películas notables, como A Star is Born (Ha nacido una estrella, 1937), Beau Geste (1939) y dos excelentes westerns, The Ox-Bow Incident (1943) y Yellow Sky (Cielo amarillo, 1948), que hacen adquirir al género perspectivas nuevas con la aparición en el primero de estos filmes de una crítica contra la violencia gratuita y el racismo. Son también destacables dentro de la filmografía de Wellman la vigorosa película de guerra Battleground (Fuego en la nieve, 1950), que le permitió ganar su segundo óscar por su sobriedad narrativa, y Westward the Women (Caravana de mujeres, 1951), donde introduce un nuevo elemento en el cine de aventuras con la participación del protagonismo femenino.
Wellman se casó cuatro veces y tuvo siete hijos con sus cuarta mujer, Dorothy, entre ellos los actores Michael Wellman, William Wellman Jr., Gloria Wellman y Cissy Wellman. Murió de leucemia en 1975.
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Vittorio De Sica

Vittorio De Sica

Nació en Sora, en la provincia de Terra di Lavoro, en la región de Campania (hoy en provincia de Frosinone, Lacio), hijo del empleado de banco y asegurador Umberto (nacido en Regio de Calabria, pero de origen salernitano) y de la napolitana Teresa Manfridi.
Figura clave del movimiento cinematográfico, conocido como neorrealismo italiano, al que contribuyó con dos destacadas películas, escritas en colaboración con Cesare Zavattini: Sciucià (traducida en España como El limpiabotas, Sciuscià es una deformación de la expresión inglesa «shoe shine»: el film narra la historia de un grupo de niños que durante la Segunda Guerra Mundial se ofrecen para trabajar como limpiabotas para los soldados estadounidenses) y su universalmente conocida Ladrón de bicicletas. Vittorio se inició en la escena cuando en 1927 ingresó en calidad de segundo actor joven en la compañía de Sergio Tofano, Luigi Almirante y Giuditta Rissone.
La crítica destaca asimismo su film de 1961 La ciociara, conocida en España como Dos mujeres. Habría de valerle a Sophia Loren el Óscar a la mejor actriz.
Como actor, destacó, entre otras muchas películas, en El general della Rovere, donde interpreta a un estafador de poca monta que acepta hacerse pasar por un general badogliano (partidario del presidente del gobierno Pietro Badoglio, militar nombrado para tal cargo por el Rey tras la deposición de Benito Mussolini y el armisticio del 8 de septiembre de 1943) abatido por los alemanes al intentar entrar en Italia para ponerse al frente de la Resistencia, y de la evolución moral del personaje de De Sica de estafador sin principios a héroe de la lucha antinazi.
Para el rodaje de La puerta del cielo, Vittorio de Sica dio trabajo como extras a alrededor de 300 judíos y otros amenazados por el nazismo. Para evitar su captura y deportación, el director de Ladrón de bicicletas prolongó lo más que pudo el trabajo, permitiendo así que pudieran eludir el cerco nazi-fascista hasta la llegada de los aliados en junio de 1944.
De su relación con la actriz barcelonesa María Mercader, nacieron dos hijos: el actor Christian y el compositor Manuel. De una relación anterior con la actriz Mimí Muñoz nació la actriz Vicky Lagos. Falleció el 13 de noviembre de 1974 en Neuilly-sur-Seine, Francia, tras una intervención quirúrgica.
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Stanley Donen

Stanley Donen

(Columbia, EE UU, 1924) Director cinematográfico y coreógrafo estadounidense. Responsable de alguno de los musicales más significativos de la historia del cine. Debutó como bailarín en el musical de Broadway Pal Joey, protagonizado por el gran Gene Kelly. Contratado como coreógrafo por Metro-Goldwyn-Mayer, el productor de musicales Arthur Freed le confió la dirección de Un día en la ciudad (On the Town, 1949), emblemático clásico del género que dirigió junto con Gene Kelly. Juntos volvieron a rodar el que se considera como el musical por excelencia, Cantando bajo la lluvia (Singin’ in the Rain, 1952), y Siempre hace buen tiempo (It’s Always Fair Weather, 1955), secuela de Un día en la ciudad, en la cual Kelly y Frank Sinatra volvieron a compartir protagonismo.

En solitario, rodó otros tres importantes musicales: Bodas reales (Royal Wedding, 1950), con Fred Astaire; Siete novias para siete hermanos (Seven Brides for Seven Brothers, 1954) y Cara de ángel (Funny Face, 1956), ésta con Fred Astaire y Audrey Hepburn. En su filmografía destacan también la comedia con toques «a lo Hitchcock» Charada (Charade, 1963) y la agridulce visión del matrimonio que ofrece en Dos en la carretera(Two for the Road, 1967). En 1998 recibió un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.
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Sidney Lumet

Sidney Lumet

Sidney Lumet es un conocido director de cine de Hollywood, famoso por haber contribuido enormemente a la industria a lo largo de toda su carrera, con más de 50 filmes en su haber.

Sidney Lumet nació el 25 de Junio de 1924 en la ciudad de Philadelphia, localizada dentro del estado de Pennsylvania en los Estados Unidos de América.

Su familia era de ascendencia judío polaca, siendo su padre un actor de teatro llamado Baruch Lumet y su madre una bailarina de nombre Eugenia Wermus. Bajo este ambiente, Sidney creció muy influenciado por las artes en general.

Muy temprano en su vida, a los cuatro años, tuvo sus inicios dentro del teatro, como actor y esto se dio dentro del Yiddish Art Theater, donde permaneció representando las más variadas obras hasta mediados de los 50’s.

Mientras tanto, su educación se había dado de forma excelente, puesto que fue uno de los excelsos egresados del Professional Children’s School, desde el que decidió que dedicaría su vida a las artes en ves de lo netamente académico.

También relativamente temprano en su enorme carrera por venir, Lumet dirigió su primera y una de sus más aclamadas películas “12 Angry Men” que recibió el estreno en las salas de cine en 1957.

Inmediatamente, luego de la proyección de ésta, su carrera despegó enormemente puesto que tuvo un éxito de taquillas que lo llevó a ser cotizado como uno de los directores novatos más importantes de la industria.

Al año siguiente estrenó “Stage Struck” que también tuvo una excelente recepción. A partir de ese momento no ha cejado de dirigir largometrajes y estos siempre han sido apreciados por su gran calidad de dirección y representación.

A lo largo de la década del ’60 consiguió llenar las salas con filmes como “Long Day’s Journey Into Night” de 1962, “The Pawnbroker” de 1964, “The Group” de 1966, “The Deadly Affair” de 1967, “Bye Bye Braveman” de 1968 y “The Appointment” de 1969.

Ya comenzando los ‘70s no parecía que su gran genialidad fuera a acabarse, sino todo lo contrario, con el pasar del tiempo su creatividad aparentaba incrementarse y lo llevaba más arriba en la escala de los valores cinematográficos.

De este modo, en 1973 estrenó “Serpico” un filme de acción que llevó a Al Pacino a interpretar el rol del verdadero héroe de la ciudad de Nueva York, el oficial Frank Serpico. Él mismo se embarcó en la terrible misión de desenvolver toda la corrupción dentro de su departamento de policías.

Este largometraje le garantizó la codiciada nominación como mejor director que posteriormente volvió a repetir en tres ocasiones más. Al año siguiente, en 1974, dirigió “Murder on the Orient Express” una adaptación del clásico de Agatha Christie, donde apareció Sean Connery.

Solamente dos años más tarde, luego de “Serpico”, Lumet volvió a trabajar con Al Pacino, esta vez para triunfar con “Dog Day Afternoon”. En esta historia, dos ladrones primerizos asaltan un banco, descubriendo que el mismo no tiene dinero y totalmente desorientados acerca de lo que tienen que hacer a continuación.

Sin duda alguna la historia era totalmente nueva, y conmovió tanto a la Academia que decidieron nominarlo una vez más al Mejor Director. Esta historia se repitió al inmediato año siguiente, en 1976, con el estreno de “Network”.

En este largometraje, un grupo de empleados de una cadena televisiva se desvive por obtener los mejores ratings del mercado. Las estrellas en la pantalla fueron Faye Dunaway, Peter Finch y Robert Duvall.

En 1978 fue el exitoso director que se lanzó a la suerte, al poner en la pantalla el alocado musical “The Wiz”, con el protagonismo de Diana Ross y Michael Jackson. La película fue una adaptación de la versión de Broadway estrenada en 1975.

“The Veredict” de 1982, fue el último largometraje de su carrera que le mereció la estatuilla como el Mejor Director. Su trama giraba en torno a la historia de un abogado alcohólico que se ve sumido en un caso complejo que podría darle la fama que nunca tuvo.

Para 1989, dirigió la genial comedia “Family Business” donde Sean Connery, Dustin Hoffman y Matthew Broderick juegan el rol de tres generaciones de ladrones. La aventura de un gran robo llevará a estos tres hombres a desatar las más divertidas escenas.

Comenzando la década del ’90, fue el director de “Q&A”, donde Nick Nolte es un corrupto oficial de la Policía de Nueva York y la única persona que puede descubrir toda su trama de maldad es el jefe de la mafia interpretado por Armand Assante.

En 1992 dirigió “A Stranger Among Us” una de las películas que levantó la carrera de Melanie Griffith y en 1997 repitió la idea de un agente federal, Andy García, intentando descubrir toda la corrupción en el departamento de policías llevado por Ian Holm.

Sus más recientes trabajos fueron hacia mediados de la primera década del milenio, con “Strip Search” donde trabajaron Maggie Gyllenhaal y Glenn Close. Esta fue estrenada en el 2004, directamente en la cadena HBO.

Su enorme trayectoria dentro del cine fue reconocida en el 2005, cuando los Premios de la Academia le entregaron una estatuilla por su Lifetime Achievement (logros de toda la vida).

En el 2006, “Find me Guilty” una comedia dramática con Vin Diesel y finalmente en el 2007 “Before the Devil Knows You’re Dead” con la actuación de Ethan Hawke, Marisa Tomei y Aleksa Palladino.

Este mismo año, tuvo comentarios realmente controversiales al afirmar que en no más de cinco años, toda la industria del cine dejaría de lado el celuloide y pasaría a utilizar netamente la grabación en High Quality, o Alta Definición.
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Serguéi Eisenstein

Serguéi Eisenstein

Cuando contaba 25 años, Serguéi Eisenstein puso fin a su carrera teatral, al ver la artificiosidad del resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras, «el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine». Esto hizo que dejara el teatro y se centrara en el medio que le dio prestigio internacional, el cine.
Eisenstein fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstein, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Luego de una larga investigación en el tema, Eisenstéin desarrolló su propia teoría del «montaje». Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.
Eisenstein no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.
Su principal mensaje político se basó en la organización, la participación y la lucha «Como quieras, quiero.»
Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos.
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Sergio Leone

Sergio Leone

Nació en Roma el 3 de enero de 1929, hijo de Vincenzo Leone, director de cine mudo conocido con el pseudónimo de Roberto Roberti, y de Bice Valerian, actriz de valía del mismo período. Debutó en el cine trabajando como asistente voluntario y figurante, entre otras, en “Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette)” (1948) de De Sica. Más tarde fue durante mucho tiempo ayudante de dirección de Mario Bonnard: en 1959, cuando éste se puso enfermo, lo sustituyó en el plató de “Los últimos días de Pompeya” (Gli ultimi giorni di Pompei) para completar el rodaje. Tras trabajar como ayudante de dirección en “Ben Hur” (1959) de William Wyler, firmó el primer largometraje completamente suyo, el peplum “El coloso de Rodas” (Il colosso di Rodi) (1961) y dirigir la segunda unidad de “Sodoma y Gomorra” (1962) de Robert Aldrich.
Sin embargo, la película que le dio a conocer es de 1964: “Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari)”, firmada con el pseudónimo de Bob Robertson en homenaje a su padre. Abre un camino convincente para el western italiano autárquico siguiendo las pistas de una narración barroca y pasada de rosca, rimbombante e hiperviolenta (aunque sea en base a una idea no original, derivada manifiestamente de “Yojimbo (La sfida del samurai)” (1961) de Akira Kurosawa). Las películas siguientes “La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più)” (1965) y “El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo)” (1966) completaron la que se dio en llamar la “trilogía del dólar”, recaudaron cifras enormes volviendo a proponer una fórmula de éxito: una banda sonora agresiva y cautivadora de Ennio Morricone, las interpretaciones socarronas y llenas de garra de Clint Eastwood (y también unos excelentes Gian Maria Volonté y Lee Van Cleef), a lo que se añade – a nivel estilístico – una hiperbólica dilatación de los tiempos narrativos que por momentos se convierten en gesto paradójicamente hierático.”Hasta que llegó su hora (C’era una volta il West)” (1968) confirma y rompe al mismo tiempo estos esquemas, poniendo en escena el final del Oeste y del mito de la Frontera: el icono Henry Fonda adquiere en esta ocasión los rasgos de un asesino feroz e implacable al que se le opone el marcado perfil de Charles Bronson en una oscura historia de venganza y de muerte. Si en la película siguiente “Agáchate, maldito (Giù la testa)” (1971), un colorido y movido pot-pourri sobre la revolución ambientado en el Méjico de Villa y Zapata, se queda algo parado entre manierismo y ritualidad, con “Érase una vez en América (C’era un volta in America)” (1984) el cineasta romano realiza su obra maestra. Fruto de una gestación muy prolongada, esta película ambientada en los años álgidos del prohibicionismo narra una historia de gángsters y amistad que se desarrolla a lo largo de casi cuatro horas entre plomo y sangre a lo Damon Runyon y tiernos paréntesis de intenso deseo a lo Fitzgerald; todo ello con una aguda conciencia de la memoria de sabor proustiano, la aportación de actores admirables (De Niro es el más citado, pero James Woods está perfectamente a su altura) y la sugestiva banda sonora de Ennio Morricone. La parábola artística de Leone se cerró aquí: murió de un infarto en su casa de Roma el 30 de abril de 1989, mientras estaba trabajando en el laborioso proyecto de una película ambientada en el asedio de Leningrado.
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Sam Peckinpah

Sam Peckinpah

Nació en Fresno, EE UU, en 1925 y murió en Inglewood, en 1984) Director de cine estadounidense. Inició su carrera trabajando en televisión, donde escribió y dirigió varios programas relacionados con el mundo del western, entre ellos Gunsmoke, The Westerner y The Rifleman. Peckinpah sirvió en el cuerpo de los marines durante la Segunda Guerra Mundial, aunque nunca estuvo en combate. Se casó con Marie Selland en Las Vegas en 1947 y se graduó, como estudiante de teatro, en la Universidad de California the nextyear. Trabajó con el director Don Siegel en las películas Invasion of the Body Snatchers y Dirty Harry (Harry el Sucio).En 1961 dirigió The Deadly Companions, su primera película, a la que siguió Major Dundee (1964) y Grupo Salvaje (1969), uno de sus filmes más representeativos. La obra de Peckinpah se caracteriza por su consciente exploración de la violencia, a cuya plasmación visual aportó un muy personal esteticismo, como instrumento último de defensa en manos de personajes desubicados tanto de entorno vivencial (Perros de paja, 1971), como de su época (la ya citada Grupo salvaje; La balada de Cable Hogue, 1970). Los protagonistas de sus películas suelen responder a la figura del antihéroe de dimensiones trágicas tan del gusto de la cultura estadounidense, a menudo empeñados en defender un código ético basado en el honor en el marco de una sociedad cínica y materialista (Pat Garrett y Billy the Kid, 1973). También frecuentó el género del thriller en una forma más convencional (La huida, 1972; Clave: Omega, 1984). Más tarde, él empezó a beber y a tomar drogas. Siendo considerado por Stephen King para el guión de The Shotgunners, murió de un ataque al corazón cuando tenía 59 años. OTRAS BIOGRAFIAS* Bloody Sam – The Life and Films of Sam Peckinpah by Marshall Fine* Peckinpah: A Portrait in Montage by Garner Simmon* If They Move… Kill ´em: The Life and Times of Sam Peckinpah (1995, David Waddle, Grove Press)
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Ridley Scott

Ridley Scott

Ridley Scott es un director atípico. Ha dirigido cine pero también anuncios publicitarios de gran repercusión. También ha producido un sinfín de proyectos de gran éxito. Sin embargo por algunos de sus títulos más emblemáticos se le puede reconocer: Thelma y Louise, Alien, Blade Runner o Gladiator son el mejor ejemplo de su maestría.

Ridley Scott estudió arte y cine antes de iniciarse como diseñador de escenarios para la BBC. Fue en esta misma cadena de televisión donde comenzó su carrera como director, encargándose de varios capítulos de series y programas. Poco después abandonó ese trabajo para montar su propia productora, con la que realizó multitud de spots comerciales antes de emprender su primer proyecto en el cine, en 1977, con Los duelistas.

No pasaron muchos años antes de que Scott viera reconocida su labor como director gracias a dos películas. En primer lugar, el thriller fantástico Alien, el octavo pasajero, un auténtico éxito de taquilla con el que el realizador británico se metió en el bolsillo a los amantes del terror y la ciencia ficción. Y en segundo lugar, el film futurista Blade Runner, que no tardó en convertirse en cinta de culto y punto de referencia para la estética del cine fantástico posterior.

En la filmografía de Scott destacan también producciones como la road movie feminista Thelma y Louise, que le valió su primera nominación al Oscar al mejor director, y proyectos menos afortunados como Legend, 1492: La conquista del paraíso o La teniente O’Neill. Sus últimos trabajos han tenido un éxito considerable, especialmente Gladiator, uno de los films triunfadores en los Oscar 2000. A éste siguieron Hannibal y Black Hawk derribado.
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Raoul Walsh

Raoul Walsh

(Nueva York, 1892 – Los Ángeles, 1981) Director de cine estadounidense. Si algo destaca del legado de Raoul Walsh en la historia del cine es el haber sabido trasladar a las pantallas el sentido de la aventura en su más amplia acepción. Una aventura de la que él mismo participaría, y que luego vertió a través de géneros clásicos como el western, el cine negro o el drama marítimo, configurando una extensa obra creativa que permanece en la memoria de los aficionados y que ha hecho las delicias de varias generaciones.

Interesado desde pequeño por las novelas ambientadas en parajes exóticos, ni siquiera había terminado los estudios primarios cuando decidió embarcar en una nave rumbo a Cuba. Más tarde, en 1903, trabajaría como domador de caballos en México y desempeñó otros muchos oficios cerca de la frontera de Texas, hasta que su hermano George, convertido en un prometedor intérprete cinematográfico, le reclamó a su lado para sumergirse en la aventura pionera que estaba desarrollándose en la soleada Hollywood.

De este modo tan peculiar Raoul Walsh hizo sus primeras apariciones como actor para Pathé y Biograph, que a partir de 1910 simultaneó con la responsabilidad de ayudante de dirección nada menos que de David Wark Griffith, interviniendo en auténticas obras maestras como El nacimiento de una nación. The life of General Villa fue el filme que le dio a conocer. Gracias a su espíritu aventurero, que no le abandonaría nunca a lo largo de su vida, marchó a México para rodar algunas escenas documentales sobre la revolución y entrevistarse con el mítico General Pancho Villa. Este valioso material fue utilizado posteriormente en el largometraje realizado en 1914 por William Christy Cabanne, quien reconoció los indudables méritos de su asistente haciéndole figurar como codirector.

Títulos como El mosquetero de Nueva York o Perdida y encontrada le hicieron merecedor de una reputación de cineasta con oficio, versátil y siempre atento a satisfacer al público con películas donde la aventura y la fantasía eran la marca de la casa. No tardarían, pues, en llegar los proyectos de envergadura, primero para la Fox y luego para United Artists, una compañía productora creada por ilustres personalidades del cine entre los que se encontraba su mentor David Wark Griffith. Así, en 1924 Douglas Fairbanks le propone convertirse en el director de una película que por motivos de distribución debía rodarse a la mayor brevedad posible, sin que por ello disminuyese el ritmo o la plasticidad: El ladrón de Bagdad.

Inspirado muy libremente en varios cuentos de Las mil y una noches, el guión de este largometraje dejaba espacio para el gran espectáculo, habitual para un Fairbanks que ya había protagonizado un vasto repertorio de piratas, espadachines o acrobáticos ladronzuelos. Enormes decorados y multitud de extras se dieron cita en un filme de fabuloso éxito en las taquillas y que supuso el espaldarazo definitivo para Raoul Walsh.

Su extraordinario sentido del ritmo, fundamental en cualquier película pero muy especialmente en las de aventuras, volvió a mostrarse con toda su intensidad durante el periodo mudo, a través de géneros tan diversos como la fantasía oriental (La dama del harén), el film bélico (El precio de la gloria) o el melodrama (Los amores de Carmen). Culminando todo ello en La frágil voluntad, protagonizada por Gloria Swanson y que a duras penas consiguió sortear las férreas normas de censura que se estaban introduciendo en el mundo del cine de la mano de Will Hays, creador del famoso código que toma su apellido.

Esta avalancha de sucesivos éxitos le llevó a experimentar de forma pionera las nuevas técnicas sonoras, que se presumían como el futuro del cine, en El mundo al revés y, sobre todo, con En la vieja Arizona. Este último título prometía ser la obra máxima de su carrera como realizador, pero un desgraciado accidente de automóvil poco antes de la finalización del rodaje le dejó tuerto y hubo de ser sustituido sobre la marcha por Irving Cummings.

Su retorno se produciría por la puerta grande apenas unos meses después con la monumental La gran jornada, proyecto faraónico en el que hubieron de afrontarse innumerables problemas de todo tipo. La responsabilidad de protagonizarla cayó sobre las espaldas de un completo desconocido: John Wayne. Western sobre la búsqueda de un sitio donde trabajar aunque eso suponga enfrentarse a la aventura, recreaba la titánica lucha del pueblo norteamericano por conquistar territorios salvajes.

Contratado por la 20th Century Fox como uno de sus directores estelares, abrió una nueva línea temática con El arrabal, ambientada en el mundo de los gángsters, donde violencia, miedo, ambición y peligro formaban parte de lo cotidiano. The Roaring Twenties, con Humphrey Bogart y James Cagney, supondría en ese sentido la culminación de esta tendencia, con su espeluznante retrato de unos años veinte en los que habían imperado el tráfico de alcohol, la prostitución y el crimen organizado. Bogart acabaría siendo una presencia habitual en posteriores películas de Walsh, llevándole hasta la cumbre de su fama mediante filmes como La pasión ciega o El último refugio.

Murieron con las botas puestas, sobre la matanza de las tropas del general Custer ejecutada por los indios, marcó su regreso a la superproducción. No obstante, los continuos roces con el protagonista, Errol Flynn, estuvieron a punto de llevar al fracaso esta historia de leyenda, filmada con sincero lirismo y ritmo trepidante, que acabó siendo uno de los mayores éxitos de su carrera y un mito para los aficionados al género.

El estallido de la Segunda Guerra Mundial provocó que Raoul Walsh pusiese en marcha una trilogía de films (Desperate Journey, Northern Pursuit y Uncertain Glory) de alto contenido ideológico y concebidos como arma de combate frente a la barbarie nazi. Tendencia que encontrará su magnífico colofón en Objetivo Birmania, donde se reproducía con toda la épica posible los combates del frente aliado contra las tropas japonesas. Auténtico alarde de espectacularidad llevada con ritmo generoso, pocas veces la guerra ha sido mostrada con tanta angustia y sentido físico: sudor, gritos, junglas selváticas y zonas pantanosas conviven en una película donde el actor Errol Flynn alcanzó una de las cumbres interpretativas de su carrera.

Juntos hasta la muerte volvería a situar a Raoul Walsh como uno de los mayores directores de la industria cinematográfica y cuya versatilidad seguía sorprendiendo a todo el mundo. De hecho, a este western le seguirían estupendas incursiones en el género negro (Al rojo vivo) o en el cine de aventuras torrenciales (El hidalgo de los mares).

Pero los tiempos comenzaban a cambiar, y la narrativa clásica iba a ir dejando paso a otros modelos más acordes con las rupturas que defendían las nuevas generaciones. En ese sentido, Tambores lejanos puede considerarse un primer y excelente canto de cisne donde retornaba a los terrenos selváticos, aunque en este caso bajo la apariencia de western, un género que seguiría cultivando con especial predilección a través de títulos como Historia de un condenado, Fiebre de venganza, Rebelión en el fuerte o Los implacables, donde sus héroes exploraban los límites de la frontera a través de duelos, tiroteos en las calles y ambientes turbulentos. El broche de oro lo pondría con su último film, Una trompeta lejana, mirada crepuscular sobre un universo mítico en trance de desaparición y donde Raoul Walsh había alcanzado sin duda sus mayores logros.
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Miloš Forman

Miloš Forman

Dos veces Óscar al Mejor Director por Alguien voló sobre el nido del cuco y Amadeus, ha combinado en su carrera lo mejor de la tradición cinematográfica europea y americana.

Es uno de los numerosos directores extranjeros que han conseguido el éxito internacional sin haber sido encasillados por género o nacionalidad, y sus películas son una celebración del individualismo y se concentran en el comportamiento humano de cada persona.

Tres actores han ganado Óscar gracias a sus películas, Jack Nicholson y Louise Fletcher por Alguien voló sobre el nido del cuco, y F. Murray Abraham por Amadeus.

El menor de tres hermanos, Forman nació en Caslav, Checoslovaquia, una ciudad a 50 kilómetros de Praga. A los nueve años, sus padres fueron arrestados por la Gestapo y murieron en los campos de concentración nazis, quedando al cuidado de sus parientes. Se empezó a interesar por el teatro mientras asistía a una escuela para huérfanos de guerra. Le gustaban muy especialmente las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton, y los westerns de John Ford.

Forman entró en la Escuela de Cine de la Universidad de Praga, donde estudió con Ivan Passer. Tras graduarse, escribió sus primeros guiones y realizó dos cortos semi-documentales. En 1963 dirigió su primera obra, una autobiografía de un adolescente en una pequeña ciudad Checa, titulada Pedro el negro. La película fue un éxito en diversos festivales, incluyendo Cannes, Montreal y Nueva York, y condujo a Forman a visitar América.
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Martin Scorsese

Martin Scorsese

Nació el 17 de noviembre de 1942 en Flushing, New York. Hijo de padres sicilianos que se dedicaban a la confección de ropa, fue criado en el “ghetto italiano” de Manhattan. Allí Martin se educó en un contexto católico, llegando a estudiar para monaguillo.
Sufrió una infancia de impedimentos debido a un problema asmático, lo que lo llevó a pasarse gran parte de ella dedicado a mirar cine y televisión, filmes de John Ford y Samuel Fuller.
A principio de los ´60 se matriculó en el programa de cine de la Universidad de New York, con compañeros como Brian De Palma. Comenzó a realizar cortometrajes. Tal vez la admiración por films de la “nouvelle vague” lo hicieron realizar trabajos representativos con escasos recursos.
En 1968 realiza su primer largometraje “Who´s knocking my door” donde daba cuenta de la influencia de la cultura italiana en su vida.
Con Roger Corman como productor, comienza en 1972 una serie de películas entre las que se destaca “Boxcar Bertha”, film de estilo violento sobre los sindicatos. Con “Calles Salvajes” en 1973 con Robert DeNiro y Harvey Keitel como protagonistas, logra su primer éxito en New York. Pero sería con “Alicia no vive aquí” el lanzamiento en su carrera cinematográfica. Condición que se confirmaría en 1976 con “Taxi Driver” una película única con Robert DeNiro en el papel de un psicopata en una ciudad de mafiosos. Quizás su película mas representativa sea “Toro Salvaje” de 1980, la biografía del boxeador Jack LaMotta, en la que se luce la dupla DeNiro-Pesci, mismos actores que trabajarían con Scorsese en “Buenos Muchachos” en 1990.
Además de dedicarse a la realización cinematográfica, trabajó produciendo programas para la televisión, video-clips (como “Bad” y “HiStory” de Michael Jackson) y documentales como el de Giorgio Armani.
Se casó varias veces, con L.Brennan, J.Cameron, Isabella Rosellini y B.DeFina se divorció, actualmente está casado con Helen Morris, quizás al momento de leer esta página se haya separado, pero no es lo importante.
Sus films son personales, incorporan relaciones familiares, historias de lealtad y amor, de violencia y odio, sus personajes son fuertes e intensos, ganadores y perdedores que se mueven en un mundo honesto pero fuerte, plasmados con sutileza pero con intensidad, de una energía poco común.
Dice Scorsese: “No puedo ser objetivo, sólo puedo hablar de lo que me emociona e intriga”.
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Marcel Carné

Marcel Carné

(París, 1909-1996) Director de cine francés. Su madre había muerto prematuramente y, como consecuencia de ello, las mujeres de su familia se habían ocupado de su educación en la infancia. De joven comenzó ayudando a su padre, que era ebanista, y luego empezó a trabajar para una compañía de seguros; al mismo tiempo estudiaba fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de París, de donde le vendría la afición al cine.

Fue gracias a la esposa de Jacques Feyder, la actriz Françoise Rosay, protagonista de La Kermesse Heroica, que comenzó su carrera profesional en el cine como ayudante del propio Feyder y del fotógrafo George Perinal en Los nuevos señores (1927). También alternó esta actividad con la de crítico cinematográfico en revistas como Cinemagazine, Cinemonde, Hebdofilm o Film Sonore.

Su primera actuación como director tuvo lugar en el campo del cortometraje, donde con su propio dinero rodó pequeñas piezas como Nogen, Eldorado du dimanche (1929). Esta actividad le llevó a ser ayudante de uno de los directores más famosos del cine francés, Rene Clair. Su primer largometraje fue Jenny (1936), en el que recibió la colaboración como guionista del escritor Jacques Prevert, con el que iniciará una fecunda relación. La protagonista femenina fue Françoise Rosay, quien le había ayudado en la puesta en marcha del proyecto.

Un año después dirigió Un drama singular (1937), con lo que comenzó su época de éxito. En esta cinta participó el actor Jean Gabin, y con ella Carné se convirtió en uno de los principales directores del cine francés. Se le situó en un principio en el denominado movimiento de “realismo poético” (que como señalan diversos autores tiene más de lo primero que de lo segundo), al que estaban adscritos otros directores como Julian Duvivier.

Alcanzará una importante notoriedad con la película El muelle de las brumas (1938), una obra que mantiene una conexión ideológica con el movimiento del Frente Popular y que muestra el ambiente de angustia que se cernía sobre Europa como consecuencia del avance político del nazismo. Sin embargo, dos títulos destacan por encima de todos los demás como verdaderas piezas magistrales del cine francés de esos años. En primer lugar, Les visiteurs du soir (1942), una obra realizada en la Francia bajo control del Gobierno de Vichy, aunque impregnada, según muchos, de sentido antinazi. Es una cinta visualmente espléndida. En ella el diablo visita un castillo de noche, en un intento de conseguir el auténtico amor, lo que resulta imposible para él; no obstante, los espectadores franceses la interpretaron como una intento de manifestar el espíritu de resistencia frente a la ocupación.

Los niños del paraíso (1945) es para la mayoría de críticos su obra maestra. Se trata de una fábula sobre el amor y la muerte, el bien y el mal. Ambientada en el año 1840, su vigor visual y la capacidad para sintetizar las relaciones entre la vida y el teatro han hecho que sea la obra más vigente de Carné y siga manteniendo actualidad para el público contemporáneo. El propio Carné dijo que Los niños del paraíso era un homenaje al mundo del teatro. Parece ser que la idea del guión se le ocurrió al famoso actor teatral -en menor medida cinematográfico- Jean Louis Barrault.

Durante el segundo año de la ocupación, Carné y su guionista Prevert trabajaron afanosamente en este proyecto; Barrault les sugirió que hiciesen una película en la que se ocupasen de Baptiste Duberau, uno de los más famosos mimos franceses, y que añadiesen los crímenes que se habían cometido en el bulevar del Temple, calle que llegó a hacerse famosa por esa trágica circunstancia. A la idea que habían recibido, el director y el guionista añadieron la figura de un famoso criminal llamado Lacenaire.

La idea resultó de lo más feliz; fue también clave la ayuda que aportaron el director artístico Alexandre Trauner y el compositor Joseph Cosma. El propio Barrault interpretó al personaje del mimo. Por su parte, el personaje femenino más importante en el desarrollo de los hechos fue interpretado por Arletty. El film tardó tres años en completarse, y fue una las cintas más costosas que se habían rodado en Francia hasta aquel momento.

Con la finalización de la Segunda Guerra Mundial, Carné tuvo problemas políticos; sospechoso de colaboracionismo, debió enfrentase a un tribunal de depuración. Aunque no fue finalmente culpado de nada, las circunstancias cambiaron de un modo decisivo para él. Muchos de sus colaboradores habituales se habían marchado y era un personaje bajo sospecha. Su talento y capacidad de trabajo se resentirían de estas circunstancias.

A pesar de todo, durante los años cincuenta realizará todavía algunas películas de cierta importancia. Son, por ejemplo, La Marie du port (1950), cinta de intriga basada en un texto de George Simenon, o Teresa Raquin (1953), sobre la novela de Emilo Zola, que siempre ha constituido un título muy atrayente para los cineastas. El guión fue de otro escritor muy vinculado al cine, Charles Spaak, cuyo hermano, Paul Henri, llegó a ser primer ministro de Bélgica; sus sobrinas Catherine y Agnes fueron actrices relativamente importantes durante los años sesenta. En 1954 trabajó de nuevo con Jean Gabin en una historia de boxeo titulada El aire de París.

A partir de esta fecha la carrera de Carné entró en declive. Algunos títulos fueron mal acogidos por la crítica y sólo cabe mencionar Tres habitaciones en Manhattan (1965), también sobre una novela de Simenon. Su última intervención como director fue en la película La merveilleuse visite (1974). Ya retirado, escribió unas interesantes memorias tituladas La vie a belles dents, a mediados de los ochenta, en las que reflejaba sus opiniones y dejaba traslucir su amargura.

Marcel Carné ha sido, sin duda, uno de los directores más importantes del cine francés. Las circunstancias de la guerra y la política no le permitieron redondear su carrera del modo en que la había iniciado y le impidieron realizar un mayor número de películas. Aun con todo, es de forzosa mención en cualquier historia del cine por su sensibilidad y su capacidad de narración y ambientación.
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King Vidor

King Vidor

Director y actor norteamericano nacido el 8 de Febrero de 1894 en Galveston, Texas, y fallecido el 1 de Noviembre de 1982. Sus películas abarcan gran variedad de géneros, pero se caracterizan por la el tema de la lucha por la autodeterminación en una sociedad de masas pluralista. Fue influenciado por el realismo de D. W. Griffith y la estética deSergei Eisenstein. Comenzó filmando eventos de su pueblo natal para compañías de noticias, hasta formar en Houston, en 1914, la compañía Hotex Motion Picture. Se mudó a Hollywood con su esposa, Florence Vidor, y realizó varios trabajos de producción antes de establecerse en Universal como libretista. Tomando como material temático sus creencias cristianas, filmó THE TURN IN THE ROAD (1919), película extremadamente exitosa. En 1922 comienza a trabajar para la Metro y los estudios Goldwyn, quedando después de la unión de estas compañías en la MGM en 1924 como director senior de la misma. Su quinta película de este joven estudio, THE BIG PARADE (1925), fue un éxito total de público y de crítica. Es el primer tratamiento serio en la pantalla de la Primera Guerra Mundial, siendo uno de los filmes mudos comercialmente más exitosos de la historia, convirtiendo al actor John Gilbert en una estrella. Este éxito le dio una enorme libertad creativa a Vidor que continuó con THE CROWD (1928), que si bien no fue económicamente exitosa, le dio más prestigio a MGM y reforzó la reputación internacional de su director. Otras obras destacables son HALLELUJAH (1929), un filme negro pionero; STREET SCENE (1931); OUR DAILY BREAD (1934);THE CHAMP (1931) y STELLA DALLAS (1937). Este director fue una figura central de la filmografía americana de los 30′s junto a John Ford, Frank Capra y Ernst Lubitsch. Después de filmar EL MAGO DE OZ (1939) y lograr la espectacular e innovativa fotografía en Technicolor de NORTHWEST PASSAGE, comenzaron sus problemas con MGM. Así AN AMERICAN ROMANCE (1944) fue drásticamente cortada por MGM. La épica DUEL IN THE SUN (1946) es pionera en el género western adulto pero se retiró del proyecto antes de completarlo y el resultado final es el producto de las manos de varios directores y del productor David O. Selznick. Después de que su episodio en la película ómnibus ON OUR MERRY WAY (1948) fuera cortado por el productor Benedict Bogeaus, Vidor firmó con Warner Bros. un contrato del que resultaron las películas UNA CONTRA TODOS (THE FOUNTAINHEAD) (1949), con Patricia Neal y Gary Cooper, y BEYOND THE FOREST (1949), conBette Davis. Después de concluir su acuerdo con Warners, experimentó como un productor independiente con las películas JAPANESE WAR BRIDE (1952) y RUBY GENTRY (1952). Sus últimas tres películas fueron HOMBRE SIN RUMBO (1955), LA GUERRA Y LA PAZ (1956) y SALOMÓN Y LA REINA DE SABA (1959).
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Joseph L. Mankiewicz

Joseph L. Mankiewicz

Su padre, Franz Mankiewicz, berlinés que emigró a los 17 años, de Alemania en 1885, llegó a ser en los Estados Unidos un famoso profesor en el New York City College: enseñó lengua, teología y educación, además frecuentó la élite cultural de Nueva York. Tuvo tres hijos con una germano-hablante de los países bálticos: el mayor Herman (n. 1897) sería un importante productor de cine; y, tras su hermana Erna, nació el benjamín, Joseph Leo; Franz quiso que todos ellos tuviesen una esmerada formación.
El joven Joseph comenzó la carrera de medicina, en la rama de la psiquiatría, pero la baja puntuación en una asignatura le impidió terminar esos estudios, aunque leería luego mucho psicoanálisis. Por contraste, en 1928 estudió la rama de Arte de la Universidad de Columbia. A los 19 años, una vez terminados los estudios, viajó a Berlín para estudiar, enviado por su padre, pero empezó a aficionarse por el teatro —le entusiasmaron Reinhardt, Piscator y Brecht—, y el cine —en aquellos momentos estaba en pleno apogeo la corriente expresionista del cine alemán—. Trabajó como corresponsal del Chicago Tribune y fue traductor de intertítulos para la productora UFA: fue su única aportación al cine alemán. En 1929, su hermano Herman le llamó desde Hollywood, donde trabajaba como guionista, así que Joseph, refugiado en París con escasos medios, decidió aceptar la invitación de su hermano e ir a Hollywood. 1
Los primeros pasos en el cine estadounidense los dio en los Estudios Paramount donde su labor fue secundaria y apenas sin relevancia profesional. Poco después, y ya bajo contrato de la Metro-Goldwyn-Mayer, obtuvo su primer éxito profesional al colaborar en el guión del melodrama negro El enemigo público número uno (1934) dirigida por W. S. Van Dyke, película que consiguió el Óscar al mejor guión, aunque el premio fue concedido a Arthur Caesar, ya que fue quien firmó finalmente el guión. Pero aquel primer paso dio resultados positivos, que se consolidaron con otros dos guiones para el mismo director pensados como vehículos para el lucimiento de la actriz Joan Crawford, Cuando el diablo asoma (1934) y Vivo mi vida (1935).
Alentado por su ya éxito inicial, intentó que Louis B. Mayer le dejara dirigir sus propios guiones, pero éste sopesaba bien la valía de cada uno de sus empleados antes de embarcarlos en un proyecto diferente al que habitualmente desempeñaban. A pesar de que no cedió a sus intentos, Mayer accedió no obstante a nombrarle productor, y desempeñó muy notablemente este cargo entre 1935 y 1942, periodo durante el cual produce 19 film para MGM, entre los que destacan dos títulos: Furia (1936) dirigida por Fritz Lang (alegato contra la intolerancia y el racismo, en una lectura claramente política) e Historias de Filadelfia (1940), una comedia sobre la lucha de sexos dirigida por George Cukor.
Decepcionado por no poder dirigir sus propias películas, Mankiewicz dejó la MGM y se puso al servicio de la 20th Century Fox. En este estudio realizó su ópera prima como director, El castillo de Dragonwyck (1944), dirigiendo a la fascinante Gene Tierney con secundarios del calibre de Jessica Tandy o Vincent Price. En 1947 logra otra obra maestra con la poética, El fantasma y la señora Muir, con Gene Tierney, Rex Harrison y una Natalie Wood de ocho años, más una excelente fotografía de Charles Lang y una impagable música de Bernard Herrmann. Aprendió de Ernst Lubitsch, su maestro, que le “enseñó lo que no hay que hacer”2
En 1949 estrenó Carta a tres esposas, película donde se pone de manifiesto su interés por la psicología femenina, y con la que obtuvo dos premios Óscar, el de mejor guión adaptado y el de mejor dirección; cuenta con las interpretaciones de Kirk Douglas y Linda Darnell, en una historia tan innovadora como El crepúsculo de los dioses en cuanto a narrativa fílmica.
El éxito que obtuvo fue refrendado con su siguiente película, uno de los considerados clásicos del séptimo arte, Eva al desnudo (1950), sobre las ambiciones sin piedad en el mundo teatral. Con este film, Mankiewicz obtiene seis Óscar, entre ellos el de mejor película, mejor dirección y mejor guión adaptado; el éxito de la película hizo que se creara el Premio Sarah Siddons que él había inventado para el relato. 3
Luego se sucedieron otras películas destacadas, y de muy distinto tipo (de hecho, fue denominado un “director inclasificable”), como Operación Cicerón (1951), con James Mason y Dannielle Darrieux, de espías; un clásico, Julio César (1952), con algunos de los mejores actores de la época en el reparto (Marlon Brando, James Mason, Deborah Kerr, Greer Carson o Louis Calhern); La condesa descalza (1954), sobre el mundo devorador del cine, con la mejor actuación de Ava Gardner hasta ese momento; Ellos y ellas (1955), el único musical que dirigió; o De repente, el último verano (1959), adaptación a la pantalla de una historia de Tennessee Williams.
Pero llegó lo que Mankiewicz llamaría su “pesadilla”: Cleopatra. Tras un desastroso prólogo en Londres, pues tuvo que desechar todo el material filmado, en septiembre de 1961 se reinició en Roma el rodaje de la epopeya histórica basada en la vida de la reina egipcia, y cuyo rodaje se prolongó hasta 1963. Fue la primera vez que una actriz (Elizabeth Taylor) cobraba un millón de dólares por su trabajo, lo que encareció el proyecto, y además desastres de toda índole, que rodearon la preparación y el rodaje del film, quebrantaron la salud de Mankiewicz, quien necesitó dos años para recuperarse (aunque en medio dirigió una película para la TV). Pese a la espectacularidad de Cleopatra, decepcionó a crítica y público en su estreno, convirtiéndose en uno de los mayores desastres de taquilla de la historia.
En 1967 dirigió Mujeres en Venecia, película que fue recibida fríamente por la crítica y el público; en 1970 realizó su único western, El día de los tramposos; y en 1972 puso fin a su carrera cinematográfica al filmar la adaptación de la obra teatral de Anthony Shaffer, La huella.
Falleció el 5 de febrero de 1993 en Bedford (Nueva York) cuando estaba a punto de cumplir 84 años, a causa de un ataque al corazón.
Licenciado en Historia del Arte y crítico teatral para el New York Times en Berlín, leyó hasta su muerte innumerables libros de psiquiatría, pero Mankiewicz es considerado sobre todo como un gran y culto guionista, experto en adaptaciones literarias (Graham Greene en El americano impasible, William Shakespeare en Julio César, Tennessee Williams en De repente, el último verano (1959) y Anthony Shaffer en La huella). Cuidaba la estructura de sus historias y la caracterización de sus personajes y era un gran director de actores, que llegaba al virtuosismo en los diálogos de sus filmes.
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